O design global toma conta de Londres

Londres viveu e respirou design ao longo do mês de setembro. A 16ª edição da London Design Festival, impulsionada pela 2ª edição da London Design Biennale na Somerset House em 4 de setembro, levou londrinos e visitantes da cidade a explorar seus muitos polos de design, cultura e varejo.

Para este artigo, concentrei-me em um conjunto variado de temas que perpassavam muitas instalações, pop-ups e eventos durante a mostra de design — sustentabilidade, diversidade e inclusão, luxo e o impacto do design sobre nossas emoções. Durante minha empreitada exploratória, tive o privilégio de conversar com muitos designers renomados, que ofereceram uma perspectiva esclarecedora sobre suas práticas individuais, em relação às nossas necessidades e estilos de vida contemporâneos. 

Meu grande interesse e fascínio pelo design não se baseiam apenas em minhas próprias necessidades estéticas e na busca pela beleza. É algo muito mais profundo do que isso. Também me intriga descobrir como o design pode melhorar nossas vidas e se adaptar de acordo com as mudanças profundas que ocorrem no mundo — mudanças que podem ser conduzidas por avanços na tecnologia e nas formas de nos comunicarmos. Tradições como a de tomar chá, que existe no Oriente e no Ocidente há séculos, mas precisa se adaptar às mudanças de cultura e estilo de vida. O impacto da luz sobre nosso humor e o espaço urbano, e como a prática arquitetônica e as indústrias da construção podem contribuir para construir mais casas usando materiais mais sustentáveis. Todas essas são preocupações relevantes, pois fazem parte de nosso cotidiano. Por isso, busquei explorar a London Design Festival como uma poderosa plataforma para que profissionais criativos tenham voz e exibam essas novas ideias, inovações e expertise em design.

Segundo o diretor da London Design Festival, Ben Evans, “as indústrias criativas da cidade empregam cerca de 850 mil pessoas”, afirmando que Londres tem “o maior setor criativo de qualquer cidade global”. Concebido por Sir John Sorrell CBE e Ben Evans em 2003, o evento foi fundado com o objetivo de celebrar a projeção global da capital britânica nas indústrias do design, reunindo profissionais criativos, empresas, organizações e instituições culturais de todo o mundo.

O evento criou onze diferentes distritos de design, com quatro rotas e cinco destinos de design a serem visitados e explorados pelo público e por profissionais do setor. Segundo os organizadores, o Festival do ano passado registrou um número “recorde” de “450 mil visitantes individuais de 75 países”. 

Embora muito empolgante, essa abundância de eventos, pop-ups e exposições por vezes parecia avassaladora demais para explorar tudo, em especial por causa da disposição espalhada de Londres. A LDF também “colidiu” com outro grande evento de design que acontecia na cidade por cinco dias — a London Fashion Week. Nenhum dos dois eventos teve um diálogo explícito com o outro, o que foi uma pena, já que a moda é uma grande expressão de cultura e design. 

Não chega a ser surpresa que Londres seja uma das cidades globais preferidas por muitos profissionais e empresas criativas para estabelecer suas práticas. A cidade tem uma tributação corporativa relativamente baixa, sobretudo em comparação com outras cidades europeias. Maior flexibilidade para contratar e demitir funcionários, somada a uma oferta substancial de profissionais muito talentosos e altamente qualificados vindos de todo o mundo — um elemento ecoado pelo diretor criativo Ben Rigby mais adiante neste texto. Londres é também uma das capitais mais importantes do mundo para serviços bancários e financeiros — embora a posição da City possa ser afetada pela saída do Reino Unido da União Europeia.

Acima de tudo, a história multicultural incrivelmente vibrante e diversa de Londres confere à cidade uma força fantástica, somada ao charme britânico. Os prestigiados e renomados museus, galerias e lojas de departamento da capital também contribuem enormemente para refletir o conhecimento e a expertise da cidade em abrigar coleções de classe mundial, design e uma grande disponibilidade de bens de consumo.

A longeva colaboração da London Design Festival com o Victoria and Albert Museum — que detém uma das maiores coleções de artes decorativas e design do mundo — demonstra como essas parcerias elevaram o evento. Essa colaboração entre o Festival e o museu levou, no ano passado, “173.250 visitantes à instituição”, muitos dos quais nunca haviam visitado o V&A. O museu abrigou diversas instalações, mostras e palestras ao longo do evento, incentivando seus visitantes a percorrer intervenções de design contemporâneo justapostas às coleções históricas do museu.

Entre os inúmeros eventos interessantes, lançamentos de coleções e colaborações apresentados ao longo da London Design Festival, os seguintes se destacaram particularmente em minhas andanças.

Scholten & Baijings

Time for Tea — título da colaboração entre a londrina Fortnum & Mason e a sofisticada empresa de design holandesa Scholten & Baijings — certamente deu um toque luxuoso ao Festival.

A Fortnum & Mason foi fundada em 1707 por William Fortnum e Hugh Mason como uma mercearia requintada na Piccadilly, em Londres. Famosa por fornecer iguarias aos membros da Casa Real Britânica e à elite, o negócio se transformou em uma loja de departamentos no século XIX. Hoje, pertencente ao grupo Wittington Investments, a loja comercializa uma ampla gama de produtos e serviços de varejo, buscando manter e projetar sua reputação e seu legado tradicionais.

Não havia momento mais apropriado para a Fortnum & Mason se associar à Scholten & Baijings — varejistas britânicos, em especial algumas lojas de departamento, lutam para se manter relevantes na era do e-commerce e das compras on-line. As margens de lucro estão cada vez mais difíceis de aumentar, com muitos varejistas enfrentando tempos desafiadores e registrando prejuízos. Segundo os dirigentes da Fortnum & Mason, a loja ainda é popular entre os turistas que visitam Londres; no entanto, está realmente lutando para atrair os londrinos a entrar e comprar.

Colaborar com a luxuosa e contemporânea marca Scholten & Baijings como parte da London Design Festival foi, de fato, uma estratégia de marketing inteligente, beneficiando tanto a loja de departamentos britânica quanto a firma de design holandesa. Time for Tea transmitiu um alinhamento entre a Fortnum & Mason e o gosto da marca holandesa pelo verdadeiro luxo, pela excelência artesanal e pelo legado, apresentando uma coleção primorosamente concebida, que também envolveu outros fabricantes e parceiros de todo o mundo.

A Scholten & Baijings personifica verdadeiramente o espírito empreendedor, mercantil e globalista holandês, que remonta à sua era de ouro no século XVII, quando os mercadores holandeses do período eram os únicos, por exemplo, autorizados pelos japoneses a manter uma base no Japão com maior foco no comércio em pé de igualdade. Já os portugueses, que haviam chegado ao fechado país asiático muito antes, no século XVI, não conseguiram se estabelecer devido à sua ambição de converter os japoneses ao cristianismo. Essa conversão não agradava à altamente sofisticada e autodeterminada sociedade japonesa do período.

Stefan Scholten e Carole Baijings — donos e diretores criativos de sua própria empresa de design — repetiram com sucesso essa história holandesa ao trabalhar de perto com fabricantes japoneses no século XXI. Para esta colaboração com a Fortnum & Mason, a Scholten & Baijings criou uma coleção de cerimônia do chá, apresentando seu design contemporâneo único e sofisticado aos fabricantes japoneses de porcelana do século XVII, a 1616, da região de Arita, que domina a arte da fabricação de porcelana.

O Japão não foi o único país incluído nessa incrível parceria global — pisos e mesas de mármore foram primorosamente produzidos pela firma italiana Luce di Carrara; as longas cortinas cinzas texturizadas, que serviram de belo pano de fundo para minha conversa com Stefan Scholten, foram tecidas no Reino Unido pela empresa têxtil norte-americana Maharam. Cadeiras estofadas em um tom único de verde foram fornecidas pela HAY, pela Moroso e pela Karimoku New Standard, além de muitos outros colaboradores de diferentes geografias.

A cor característica da Fortnum & Mason, o Eau de Nil — um tom específico de verde-azulado — foi lindamente incorporada por toda a coleção, reafirmando sua noção de legado por meio de um elemento de design distinto. Essa grande sensibilidade para a cor torna os designers holandeses mestres na criação e manipulação de novos tons, o que é ecoado por sua própria declaração: “sempre começamos com uma página em branco. A cor é o ponto de partida do nosso processo de design”. As inspirações do casal costumam vir de suas viagens e das experiências com outras culturas, mantendo sempre a natureza como sua principal fonte de inspiração.

Os designs da Scholten & Baijings são marcadamente elegantes — objetos finos, delicados e incrivelmente bem cortados e acabados, que personificam seu próprio senso de excelência artesanal e domínio da forma.

Time for Tea foi uma experiência verdadeiramente estética em cada detalhe. A coleção foi magnificamente organizada em uma instalação, apresentando mesas e vasos com delicados arranjos de flores. Copos perfeitamente lapidados, recipientes de chá de todas as formas contemporâneas, talheres finos e têxteis ricos trouxeram aconchego a todo o ambiente. Essa exibição visualmente estimulante convidava o consumidor e o visitante da Fortnum & Mason a se apaixonar pelo hábito de tomar chá e pela tradição da cerimônia do chá em um contexto contemporâneo.

Essa era, de fato, a intenção. Stefan Scholten confessou, durante nossa conversa, que a coleção e a exibição tinham a ambição de atrair “a atenção de um consumidor mais jovem”. Talvez ele mirasse nas gerações mais jovens, na casa dos 30 anos, que podem não se sentir necessariamente atraídas pelo hábito de tomar chá como nos séculos passados, sobretudo na era dos feios copos descartáveis de café. A coleção, como afirmou Scholten, oferece a esse “jovem consumidor a oportunidade de começar a colecionar um item de cada vez”.

MultiPly no V&A

Qualquer pessoa que passasse pelo novo pátio Sackler do V&A, na Exhibition Road, entre 14 de setembro e 1º de outubro, teria notado uma grande estrutura de madeira em exposição. A instalação apresentava uma série de caixas quadradas de madeira empilhadas umas sobre as outras, conectadas entre si, em um formato um tanto desordenado. Entradas e saídas distintas e intrincadas, túneis, portais, janelas retangulares, pontes, caminhos e escadas conduziam o visitante a uma pequena área de “cobertura”, da qual se podia apreciar uma vista de 360 graus abrangendo o Science Museum, o Imperial College e o V&A.

A instalação não era uma obra de arte; era uma tentativa bastante fascinante, inteligente e lúdica de resolver um dos maiores problemas da Grã-Bretanha moderna — a crise habitacional. Mas não só isso: a MultiPly também buscava chamar a atenção do público para a construção mais sustentável.

Uma colaboração entre a Waugh Thistleton Architects e a firma de engenharia e arquitetura Arup, com o apoio do American Hardwood Export Council, a MultiPly foi construída a partir de um sistema reutilizável de painéis de madeira laminada cruzada, feito de 60 m³ de tulipeiro americano. Essa qualidade específica de madeira de lei tem baixo valor e foi transformada em painéis para a instalação. O conceito foi construído em torno de um design modular para a estrutura permeável, permitindo que as diferentes partes fossem reutilizadas após a desmontagem, reduzindo assim significativamente a pegada de carbono.

Andrew Waugh, arquiteto internacionalmente renomado e diretor de seu próprio escritório, vem sendo pioneiro em inovações e tecnologias ligadas à sustentabilidade no design e na construção arquitetônica em todo o mundo. Atualmente trabalhando em projetos na Grã-Bretanha, na França e em Estocolmo, seu discurso ético e apaixonado foca na sustentabilidade e no enfrentamento da crise habitacional. Ele também atraiu a atenção de clientes na Austrália, em Singapura e em Madri, onde em breve estabelecerá um novo estúdio.

Durante minha fascinante conversa com o arquiteto em seu escritório na região de Shoreditch, em Londres, Waugh afirmou: 

“Começamos a olhar para tecnologias de baixo carbono há quinze anos. Hoje, na maioria das vezes, medimos a pegada de carbono dos edifícios pela quantidade de energia que usam para aquecer, resfriar ou iluminar. Mas o que percebemos é que a própria fabricação dos materiais usados na construção de edifícios convencionais é, de fato, uma parte importante da pegada de um edifício.”

Ele prossegue dizendo que, “se olharmos para onde estamos agora, para os edifícios que estamos fazendo agora e para onde precisamos estar daqui a dezessete anos por causa do Acordo de Paris, precisamos olhar para o que estamos fazendo neste exato momento”. 

Quando perguntado sobre os desafios que a madeira apresenta, como material, no contexto do clima úmido e chuvoso britânico, o arquiteto reconheceu que, embora apresente alguns problemas para climas particularmente úmidos e chuvosos, a madeira “deve ser usada predominantemente para a estrutura do edifício, e não para o revestimento externo”.

Apesar de colaborar e criar um diálogo com muitas prefeituras (councils) de Londres sobre construir de forma sustentável e enfrentar a crise habitacional, o arquiteto critica tanto o governo local quanto o central por serem “preguiçosos” em relação a essas questões, além de não compreenderem de fato o quanto a sustentabilidade é crucial para o meio ambiente. Ele sugere que Londres está ficando atrás de outras grandes cidades do mundo nessas áreas e que não há necessidade de tocar no Greenbelt, uma área de floresta protegida que circunda Londres. O arquiteto argumenta que a Transport for London possui, dentro de Londres, uma área do tamanho do bairro de Camden, que poderia ser devidamente desenvolvida para construir novas moradias, além de adensar a construção ao redor das estações de trem da cidade.

A MultiPly é um projeto e uma colaboração ambiciosos. E digo “ambiciosos” com base na atual falta de vontade política e de conscientização e educação públicas sobre questões de sustentabilidade e a falta de boas moradias para todos. Na cidade mais rica da Europa, é perturbador perceber que, enquanto investidores estrangeiros podem comprar casas de luxo morando fora do país, londrinos de classe média e em situação de desvantagem lutam para ter moradia digna, levando ao aumento da população em situação de rua na Inglaterra, em especial na capital. A instalação interativa que tomou conta do pátio Sackler do V&A demonstra, no entanto, que as indústrias do design podem inovar e ultrapassar os limites no enfrentamento dos maiores desafios do século XXI.

Designjunction

Paralelamente aos eventos oficialmente organizados pela London Design Festival, a Designjunction — feira dedicada às indústrias do design, fundada em 2011 — tomou conta do complexo cultural do South Bank, em Londres. A feira exibiu o trabalho de algumas das marcas de design mais prestigiadas do mundo e de talentos emergentes do setor. 

Representantes de grandes empresas, arquitetos, designers, atacadistas, varejistas, imprensa e compradores visitaram a edição de 2018 do evento. Caminhei de um lado a outro às margens do rio Tâmisa para ver instalações, mostras e pop-ups, participar de inúmeras palestras, descobrir novos produtos e ideias, fazer contatos e socializar. 

O evento recebeu mais de 28 mil visitantes no ano passado, refletindo a importância das indústrias do design para a capital britânica e para muitos profissionais do setor. Foi nesse ambiente vibrante que tive a oportunidade e o prazer de conversar com dois designers britânicos muito talentosos: Ben Rigby — diretor criativo do estúdio de design londrino Haberdashery — e a emergente designer de produtos e mobiliário Kusheda Mensah.

Haberdashery

Com uma expertise de dez anos de prática e uma abordagem experimental no trabalho com luz e som, o estúdio de design Haberdashery impressionou muitos visitantes, inclusive a mim, na edição de 2018 da London Design Biennale.

Composta por três esculturas de vidro — cada uma com seis camadas de vidro que projetam luz —, a escultura Radiance representava a verdadeira beleza, evocando aquele sentimento poético produzido pela natureza durante um pôr ou nascer do sol impecável. As esculturas projetavam tons suaves e quentes que tomavam toda a sala dedicada à instalação na Bienal.

A escultura provocou todo tipo de emoção durante o evento: calma, paz, contemplação. Mas alcançou algo mais do que isso: incentivou o espectador a ter uma experiência genuinamente interativa e estética com a luz.

Radiance concentrou e reduziu a luz a um conjunto de três esculturas, elevando a luz de uma funcionalidade “mundana” do dia a dia a uma experiência envolvente. A instalação reforçou a reputação da Haberdashery como um estúdio de design de ponta cujo objetivo é demonstrar as imensas possibilidades que a luz pode oferecer.

Estabelecido na região de Dalston, em Londres, o estúdio Haberdashery vem se expandindo ao longo dos últimos dez anos dentro do edifício onde está sediado. Com uma equipe internacional de vinte e dois funcionários, além de colaboradores terceirizados, ele trabalha com uma série de fabricantes, designers e artistas de todo o mundo. 

O portfólio de clientes da Haberdashery é impressionante, trabalhando com nomes como Stella McCartney, Selfridges & Co., The Wellcome Trust, Virgin Airways, Getty, British Film Institute, entre muitos outros. O estúdio cria esculturas sob medida para clientes na América do Sul e do Norte, no Extremo Oriente, no Oriente Médio e em toda a Europa, respeitando as sensibilidades culturais locais.

Ficou claro para mim, durante minha conversa com o discreto diretor criativo da Haberdashery, Ben Rigby, na Designjunction, que ter uma paixão e foco em um segmento específico das indústrias do design é absolutamente essencial para o sucesso. A equipe de design da empresa é formada por “engenheiros artísticos da luz”, nas palavras do próprio Rigby.

“Qualquer que seja o tipo de design ou criatividade em que você esteja envolvido, você está, na verdade, contando uma história e tentando se conectar, em um nível humano, com um público.”

A motivação de Rigby de despertar uma emoção nas pessoas por meio de sua visão artística fica evidente ao olhar para Radiance. O diretor criativo se aprofunda:

“Trata-se realmente de focar esse pensamento, fazer as pessoas desacelerarem, conectar-se com algo profundo dentro de você que faz você querer se conectar talvez com o sol; o sol se pondo no fim do dia é um exemplo de radiância.”

Quando questionado sobre a importância da luz para as áreas urbanas, o diretor criativo aponta que, normalmente, a luz serve para manter rotas e caminhos de transporte, bem como por razões de segurança. Como resultado, há muitos “espaços mortos” que não fazem um uso eficaz da luz. Em vez disso, ele vislumbra “a luz levada a esses espaços mortos para atrair vida e comunidades à noite”. A observação de Rigby sobre iluminar “espaços mortos” em áreas urbanas é absolutamente crucial, sobretudo em uma cidade como Londres, que carece de muitos espaços públicos para as pessoas permanecerem e socializarem. Parece haver um foco maior em usar a luz para manter o consumidor em áreas comerciais, em vez de usá-la para criar áreas públicas socialmente democráticas e inclusivas. 

A luz também tem um enorme impacto sobre a saúde mental e o humor das pessoas. Rigby comenta:

“o excesso de luzes azuis à noite faz mal aos seres humanos, porque perturba o seu ritmo natural, perturbando de fato os seus níveis hormonais, o que tem muitos efeitos colaterais.”

O designer destaca ainda que “todos nós deveríamos nos educar sobre quando usar a luz e quando não usá-la”.

Ben Rigby está confiante de que a Haberdashery ainda pode ultrapassar os limites em termos de inovação e novos trabalhos experimentais com a luz. Embora recorrer a trabalhos anteriores possa ser uma tentação comercial, o fato de o estúdio não pertencer a uma corporação dá à sua equipe mais liberdade criativa para correr riscos. 

Os clientes e seguidores da Haberdashery aguardam ansiosos para ver o que a inventiva e inovadora firma produzirá daqui em diante. Eu poderia imaginar Ben Rigby e sua talentosa equipe colaborando com artistas visuais para ampliar os limites do que a luz pode oferecer no contexto do discurso da arte contemporânea, talvez considerando as pesquisas atuais sobre o impacto da cor e da luz em nossas vidas, transcendendo as barreiras entre design e arte.

Modular by Mensah

Mutual — a mais recente coleção de mobiliário produzida pela emergente designer britânico-ganesa radicada em Londres, Kusheda Mensah, para sua própria marca Modular by Mensah — despertou recentemente atenção significativa nas indústrias do design e na imprensa.

Esqueça as cadeiras estéreis e de aparência minimalista dura. Abandone os métodos digitais excessivos de interagir com o mundo exterior. Em vez disso, comece a olhar para cima e para frente, de preferência longe do seu celular, cara a cara com um estranho em um café enquanto se senta em um assento reconfortante, macio e colorido, ainda que moderno, sustentável e durável. Esse discurso revigorante veio à tona em uma palestra organizada pela Designjunction, Move Over Modernism – The Power of Feeling, da qual Mensah participou.

Kusheda Mensah busca ir além do discurso criado por muitos “fanáticos modernistas” e designers, propondo novas formas inclusivas de se sentar e incentivando as pessoas a interagir fisicamente com a sociedade ao reposicionar o lugar do design de mobiliário dentro de um novo diálogo contemporâneo. Uma conversa pautada pelo bem-estar coletivo e pela inclusão social, que contraporia os produtos negativos das rápidas mudanças tecnológicas na forma como nos comunicamos e socializamos. De modo algum estou sugerindo que todos joguemos nossos smartphones no lixo; deveríamos, antes, regular o uso desses dispositivos, ao mesmo tempo em que nos reconectamos com o mundo real e suas realidades. O design de mobiliário pode, sem dúvida, desempenhar um papel construtivo na realização dessas ambições, aproximando as pessoas. 

A própria trajetória da designer explica seu ethos em relação ao design. Mensah formou-se em design gráfico no London College of Communication e não tem vergonha de admitir que não é o estereótipo clássico de uma designer de produto. Apaixonada por têxteis, cores, formas e texturas, o “olhar de fora” da designer radicada em Londres ofereceu à indústria uma abordagem renovada ao examinar o papel do design de mobiliário e seus impactos sobre o comportamento social. 

Em sintonia com o mundo real, Mensah revela suas motivações ao conversar comigo na feira:

“Comecei a pesquisar o que estava faltando no design e como o design pode afetar as pessoas. Quando comecei a projetar mobiliário, havia muitas pesquisas surgindo relacionadas à saúde mental, ao excesso de ‘tempo de tela’, a smartphones, computadores, a não sair do trabalho até tarde e a não ter muita vida social…”

Mutual começou a tomar forma como resposta a essas novas realidades e ao estilo de vida descritos por Mensah. A coleção modular apresenta peças abstratas separadas que podem ser encaixadas umas nas outras. Couro, diferentes qualidades de tecido e espuma em tons de azul-celeste, caramelo, casca de ovo e marfim sugerem aconchego. Fluidez, flexibilidade, interatividade e tatilidade formam a identidade central da coleção. As peças nos permitem sentar, tirar uma soneca, brincar e relaxar. Cada forma acrescenta maior versatilidade ao mobiliário. A designer expande suas ideias:

“Quando eu olhava para o mobiliário modular, grande parte dele era muito retangular, em blocos, levando as pessoas a se sentarem apenas lado a lado. Nunca se promovia a ideia de que você pode se sentar de frente para alguém. Se você nunca encontra pessoas ou tem essa conexão social com alguém, nunca consegue captar a linguagem corporal, a vibe… Parece muito hippie, Emo ou espiritual, mas não é bem assim. Trata-se de ter essa conexão.”

Subjacente ao corajoso discurso de Mensah está um crescente sentimento de desconforto com a forma como todos nós reduzimos substancialmente — ou deixamos de — notar as outras pessoas, os espaços públicos, as questões sociais e o mundo exterior. Na sociedade neoliberal em que vivemos — conduzida pelo consumo, fragmentada, excessivamente narcisista e distante, autocentrada e individualista —, a mensagem de Mensah oferece esperança. 

Em um mundo de obsessões cosmopolitas e “hipsters” da classe média, como ter a “casa perfeita” ou colecionar os designers mais recentes e “descolados”, Mutual humaniza o design novamente. Ela incentiva as pessoas a ficarem cara a cara, tocar, socializar, interagir e aprender sobre o outro, em vez de olhar para baixo, para a própria tela do celular, durante o jantar. Esta é, de fato, uma coleção e uma abordagem do design muito revigorantes. Tem um apelo verdadeiramente democrático, pois busca aproximar grupos diversos de pessoas. Não exclui; pelo contrário, inclui.

A edição de 2018 da Designjunction foi uma plataforma muito apropriada para esse diálogo com Mensah, já que a diversidade foi um dos principais temas debatidos na feira. A designer manifesta sua preocupação com o fato de a indústria, como um todo, ainda ser muito dominada por homens brancos de classe média. A designer afirma:

“No design, há um número crescente de mulheres por aí. Mas, para mim, se eu consigo me posicionar como uma mulher negra em eventos como a Designjunction, ou em uma palestra como a que dei no Design Museum, as pessoas então podem ver que alguém de origem diferente, sem privilégio socioeconômico, pode chegar lá.”

A designer, que teve sua coleção mais recente bem recebida pelos europeus durante o Salone Satellite de Milão, considera-se muito europeia em seus valores. Ela ficou impressionada com o quanto o público europeu continental foi positivo em relação às suas ideias e à sua coleção. Quando perguntada sobre “o que vem a seguir” em termos de próximos projetos, a designer revelou que está atualmente trabalhando em uma coleção de infláveis modulares. A indústria está certamente curiosa sobre o que Kusheda Mensah trará a todos nós a seguir. 

Para concluir esta resenha, um sentimento em particular ficou evidente ao conversar com esses profissionais criativos ao longo do Festival — sua incrível decepção com a saída do Reino Unido da União Europeia e com o impacto disso sobre a indústria como um todo.

O arquiteto Andrew Waugh não hesitou em descrever o Brexit como uma “decisão xenófoba, uma tragédia cultural e econômica”, atribuindo-o ao populismo e ao nacionalismo atiçados por políticos como Boris Johnson, Michael Gove e Nigel Farage. Ben Rigby, da Haberdashery, descreveu como esse processo de ruptura com a União Europeia “afetará a cadeia de suprimentos e o planejamento das empresas de design”, destacando que, “com a flutuação da libra esterlina, os negócios criativos perderão a capacidade de negociar acordos com assertividade”. O designer falou expressando um sentimento de preocupação e tristeza com o “corte no fluxo de profissionais de design que cruzam o Canal da Mancha, trazendo uma perspectiva cultural construtiva para a indústria”. Kusheda Mensah deixou claro ao afirmar que “não acredita no Brexit, considerando-se uma verdadeira europeia”.

A incapacidade dos políticos de ouvir as perspectivas realistas de empresas e profissionais das indústrias criativas significa que o debate público foi sequestrado por reações emocionais e irracionais, em oposição ao bom e velho bom senso e à razão ingleses. Será interessante testemunhar como as potentes indústrias criativas de Londres superarão os imensos desafios à medida que o Brexit se desenrola. 

Ao contrário do que o Partido Conservador britânico promoveu como “Global Britain” (Grã-Bretanha global), o Brexit pode muito bem reduzir este país a uma “Shrunken Britain” (Grã-Bretanha encolhida), sobretudo porque esse processo político insular despreza a história multicultural incrivelmente vibrante e diversa de Londres e como esse mesmo legado tornou a cidade, no pós-guerra, verdadeiramente próspera, europeia e global. 

Ao longo da agitada e empolgante programação do Festival, ficou claro que temas relacionados à inteligência artificial, à sustentabilidade, ao luxo, às emoções, à inclusão e à diversidade estavam no topo da agenda no que diz respeito a fazer o design avançar. Mentes criativas buscando ultrapassar os limites para moldar o design às necessidades do futuro, criando diálogos, propondo ideias e experimentando. A London Design Festival apresentou design para todos os gostos e bolsos, e também fez com que o público que visitava os distritos do evento pensasse no design como uma disciplina importante que faz parte do nosso cotidiano. Será muito interessante testemunhar se Londres permanecerá uma importante capital global do design e como o Festival continuará a atrair o interesse de profissionais e empresas do setor de todo o mundo. 

Colaboradores

Coedição do ensaio: Dra. Emily Orr (Doutorado em História do Design RCA/V&A), autora e Curadora Assistente de Design Moderno e Contemporâneo no Cooper Hewitt Museum, Nova York.

Filme e edição: Lara Elliott

Agradecimentos especiais

London Design Festival, Designjunction, Haberdashery, Scholten & Baijings, Kusheda Mensah, Waugh Thistleton Architects, Dra. Emily Orr.